Research연구

My work begins with a question about relationships: how does theatrical meaning come into being when different materials meet—a dramatic text and an oral tale, a body and an object, a live image and a recorded one, a performer and an audience?

What can theatrical imagination do as material moves from story to text, to body, to image, and to the audience?

When a story, image, action, or sensory element moves from one medium into another, I want to know what remains, what changes, what disappears, and what new relationships become possible.

I have directed established dramatic literature—Sophocles, Strindberg, Caryl Churchill, Ins Choi—alongside devised, immersive, and media-integrated performance. I treat these traditions as resources that can work together. Directing, for me, includes interpretation, and it also includes composition: selecting, arranging, repeating, removing, and relating materials so that something new can happen in the room.

In rehearsal and in the classroom I return to a few working principles: observe what is actually happening before interpreting it; turn observations into questions; compose the relationships among elements; test choices under specific conditions; and take responsibility for deciding what to keep, change, or discard.

Living and working between South Korea and the United States shapes how I approach materials, collaboration, and representation. I understand cultural identity as something continually remade through encounter, and I bring that transcultural experience into the studio as an artistic resource.

My current research tests a working hypothesis: that theatrical imagination acts as a sensory, translational process through which material moves among oral narrative and myth, dramatic text, embodied performance, digital imagery, and audience experience, gathering new meanings as it moves. This remains an open, evolving inquiry. I pursue it through prototype performances, workshops, courses, and collaborative creation, including recent research on AI-integrated live performance.

As Associate Professor of Directing at Carnegie Mellon University, I bring this inquiry into the training of MFA directors.

나의 작업은 관계에 대한 질문에서 시작한다. 희곡과 구전 설화, 몸과 사물, 라이브 이미지와 녹화된 이미지, 공연자와 관객처럼 서로 다른 재료가 만날 때 연극적 의미는 어떻게 생겨나는가?

이야기가 텍스트로, 몸으로, 이미지로, 그리고 관객에게로 옮겨 갈 때 연극적 상상력은 무엇을 할 수 있는가?

하나의 이야기, 이미지, 행위, 감각적 요소가 한 매체에서 다른 매체로 옮겨 갈 때, 무엇이 남고, 무엇이 바뀌고, 무엇이 사라지며, 어떤 새로운 관계가 가능해지는지 나는 알고 싶다.

나는 소포클레스, 스트린드베리, 카릴 처칠, 인스 최의 희곡을 연출하는 한편 디바이징, 이머시브, 미디어 통합 공연을 만들어 왔다. 나는 이 전통들을 함께 쓸 수 있는 자원으로 본다. 나에게 연출은 해석을 포함하면서, 동시에 구성이기도 하다. 재료를 고르고, 배치하고, 반복하고, 덜어 내고, 서로 관계 맺게 해서 연습실에서 새로운 일이 일어나게 하는 일이다.

연습실과 강의실에서 나는 몇 가지 작업 원칙으로 돌아간다. 해석하기 전에 실제로 일어나는 일을 관찰한다. 관찰을 질문으로 바꾼다. 요소들 사이의 관계를 구성한다. 구체적인 조건 아래에서 선택을 시험한다. 그리고 무엇을 남기고, 바꾸고, 버릴지 책임지고 결정한다.

한국과 미국을 오가며 살고 일해 온 경험은 내가 재료와 협업, 재현의 문제에 접근하는 방식을 만든다. 나는 문화적 정체성을 만남을 통해 계속 다시 만들어지는 것으로 이해하며, 이 초문화적 경험을 예술적 자원으로 작업실에 가져온다.

현재 나의 연구는 하나의 작업 가설을 시험한다. 연극적 상상력이 감각적이고 번역적인 과정으로 작동하여, 재료가 구전 서사와 신화, 희곡, 몸의 공연, 디지털 이미지, 관객의 경험 사이를 옮겨 다니며 새로운 의미를 얻게 한다는 가설이다. 이것은 아직 진행 중인 열린 탐구다. 나는 이 가설을 시제품 공연, 워크숍, 수업, 공동 창작, 그리고 최근의 AI 통합 라이브 퍼포먼스 연구를 통해 탐구하고 있다.

카네기멜론대학교 연출 전공 부교수로서, 나는 이 탐구를 MFA 연출가 교육 안으로 가져온다.