Teaching교육

I believe directing education should give students a rigorous command of established theatrical practice and, with it, the capacity to discover possibilities those models have not yet imagined.

Every artistic tradition carries knowledge shaped by generations of practice, experimentation, and achievement. I regard that knowledge as an essential foundation for directing education. Yet every tradition, method, and definition of excellence is partial; the possibilities of theatre keep reaching beyond any one of them. For me, the responsibility of an educator is therefore twofold: to help students engage rigorously with established artistic knowledge, and to empower them to question, extend, and reimagine what that knowledge can make possible.

This conviction shapes how I understand directing itself.

I approach directing as the interpretation of dramatic literature and as the composition of relationships among texts, bodies, images, objects, spaces, sounds, time, and audiences. A theatrical event emerges through these relationships, and its meaning often comes into focus only in performance. When an image becomes an action, when a story becomes a spatial experience, or when a text encounters a different medium, something may be preserved, transformed, or lost. Each transformation offers an opportunity for artistic discovery.

In my teaching, I encourage students to approach these encounters with curiosity and rigor. Students learn to start from a question and keep interpretation open until it has been tested: they formulate directorial questions, test possibilities through actual performance, observe what occurs, and make informed artistic decisions.

I often organize this process through a recurring cycle:

MAKE → SHOW → OBSERVE → DECIDE → REVISE

Its purpose is to develop independent directorial judgment. Each pass through the cycle sharpens how a director sees, chooses, and revises.

An experiment that misses its intended result can still generate valuable artistic knowledge. What matters is their ability to observe precisely, understand the consequences of their choices, and carry that understanding into the next creative decision.

Equally important is the role of collaboration. I see the rehearsal room as a space where different forms of knowledge meet. Actors, designers, writers, directors, and audiences bring distinct perspectives that can reveal possibilities no single artist could discover alone. I encourage students to listen carefully, engage critically, and take responsibility for their artistic decisions while keeping their individual voices.

Ultimately, I hope to cultivate artists who define their own aesthetic and their own measure of success: artists who possess the imagination to recognize possibilities, the rigor to investigate them, and the judgment to bring them into meaningful theatrical form.

For me, the future of directing education lies in bringing tradition and experimentation, interpretation and invention, artistic freedom and professional discipline into dialogue, and in discovering what becomes possible when these forms of knowledge inform and enrich one another.

저는 연출교육이 학생들에게 확립된 연극적 실천을 엄밀하게 익히게 하고, 그 토대 위에서 기존의 모델이 아직 상상하지 못한 가능성을 스스로 발견하는 역량을 길러야 한다고 믿습니다.

모든 예술적 전통에는 여러 세대에 걸친 실천과 실험, 성취를 통해 축적된 지식이 담겨 있습니다. 저는 이러한 지식이 연출교육의 필수적인 토대라고 생각합니다. 그러나 모든 전통과 방법론, 탁월함의 기준은 부분적이며, 연극의 가능성은 그 어느 하나보다 언제나 더 넓게 열려 있습니다. 따라서 교육자의 책임은 두 가지입니다. 학생들이 기존의 예술적 지식을 엄밀하게 이해하고 활용하도록 돕는 동시에, 그 지식이 무엇을 더 가능하게 할 수 있는지 질문하고 확장하며 새롭게 상상할 수 있도록 하는 것입니다.

이러한 신념은 제가 연출 자체를 이해하는 방식과도 연결됩니다.

저는 연출을 희곡의 해석이자, 텍스트와 신체, 이미지, 오브제, 공간, 소리, 시간, 관객 사이의 관계를 구성하는 행위로 이해합니다. 공연적 사건은 이러한 관계 속에서 발생하며, 그 의미는 대개 공연 안에서 비로소 선명해집니다. 하나의 이미지가 행위로 변하거나, 이야기가 공간적 경험으로 전환되거나, 텍스트가 다른 매체와 만날 때 어떤 것은 유지되고, 어떤 것은 변형되며, 또 어떤 것은 사라집니다. 저는 이러한 변환의 과정 자체가 예술적 발견의 가능성을 제공한다고 생각합니다.

저는 학생들이 이러한 만남을 호기심과 엄밀함을 가지고 탐구하도록 격려합니다. 학생들은 질문에서 출발하고, 해석은 실험을 거칠 때까지 열어 둡니다. 스스로 연출적 질문을 만들고, 실제 공연을 통해 가능성을 실험하며, 그 과정에서 발생하는 현상을 관찰하고, 이를 바탕으로 자신의 예술적 선택을 판단하도록 지도합니다.

저는 이러한 과정을 종종 다음과 같은 순환 구조로 조직합니다.

MAKE → SHOW → OBSERVE → DECIDE → REVISE

이 구조의 목적은 독립적인 연출적 판단력을 기르는 데 있습니다. 순환을 거칠 때마다 연출가가 보고, 선택하고, 고치는 감각이 더 정밀해집니다.

의도한 결과에 이르지 못한 실험도 중요한 예술적 지식을 만들어 낼 수 있습니다. 중요한 것은 무엇이 실제로 일어났는지 정확히 관찰하고, 자신의 선택이 어떤 결과를 가져왔는지 이해하며, 그 발견을 다음 창작적 판단으로 연결하는 능력입니다.

협업 역시 그에 못지않게 중요합니다. 저는 리허설 공간을 서로 다른 형태의 지식이 만나는 장소로 이해합니다. 배우와 디자이너, 작가, 연출가, 관객은 각기 다른 관점을 가지고 있으며, 그 만남을 통해 어느 한 예술가가 혼자서는 발견하기 어려운 가능성이 드러날 수 있습니다. 저는 학생들이 다른 사람의 의견을 주의 깊게 경청하고 비판적으로 수용하면서도, 자신의 고유한 예술적 목소리를 지키며 선택에 대한 책임을 지도록 격려합니다.

궁극적으로 저는 학생들이 자신만의 미학과 성공의 기준을 세우는 예술가로 성장하기를 바랍니다. 새로운 가능성을 발견할 수 있는 상상력, 그 가능성을 엄밀하게 탐구할 수 있는 역량, 그리고 그것을 의미 있는 공연적 형식으로 발전시킬 수 있는 판단력을 갖춘 예술가입니다.

저에게 연출교육의 미래는 전통과 실험, 해석과 창작, 예술적 자유와 전문적 엄밀성이 서로 대화하게 하고, 서로 다른 형태의 지식이 만나 서로를 풍요롭게 할 때 무엇이 가능해지는지를 발견하는 데 있습니다.